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Clasicismo: compositores

2010-05-28T12:47:00.000-07:00

WOLFANG AMADEUS MOZART (1756-1791)

Nació en Salzburgo, Austria, al parecer ya con extraordinarios dotes musicales. Su padre, quien también se dedicaba a la música, lo educó junto con su hermana Nannerl. Cuando Mozart tenía seis años (y ya era intérprete avanzado de violín e instrumentos de tecla y había compuesto algunas obras) empezaron una gira por las cortes europeas, donde el niño tocaba para los más diversos y distinguidos personajes. Estudió mientras tanto en ciudades extranjeras con, entre otros, el padre Martini de Bolonia y Johann Christian Bach, hijo menor de J.S. Bach.

Bastien und Bastienne (1767)

Mitridate re di pronto (17770)

El punto de regreso de estos viajes era siempre su ciudad natal, donde componía para el arzobispo Colloredo. En 1777, con veintiún años, Mozart intentó encontrar por las cortes europeas un puesto mejor remunerado y más satisfactorio que éste, sin éxito. Durante su búsqueda se enamoró de Aloysia Weber. Entonces era ya adulto, pero su inusual niñez, al parecer, le había provocado algunas extravagancias pueriles que no perdió con la edad.

Marcha turca (1779)

Idomeneo rey de Creta (1781)

El gran éxito de su ópera Idomeneo rey de Creta le empujó a trasladarse a Viena definitivamente en 1781, con la idea de componer independientemente. Ese mismo año se casa con Constanze Weber, la hermana menor de Aloysia. El matrimonio estuvo endeudado siempre, aunque compuso en aquella época una enorme cantidad de obras muy reconocidas, entre ellas:

El rapto del serrallo (1781)

Las bodas de Fígaro (1786)

Don Giovanni (1787)

Sinfonía de Praga (1787)

Cosi Fan Tutte (1790)

Die zauberflöte (1791)

Cuando estaba componiendo su Réquiem en Re menor K.626 murió en Viena. La obra la terminó su discípulo F.X. Süssmayr.

Réquiem en Re Menor (1791)

DIES IRAE

TUBA MIRUM

CONFUNTATIS

LACRIMOSA

Mozart compuso, en total, 41 sinfonías.

JOSEPH HAYDN (1732-1808)

También austríaco como Mozart, a quien conoció y elogió sus óperas, Haydn era de origen humilde y sólo estudió en la escuela coral de la Catedral de San Esteban en Viena. Con diecisiete años dejó el coro y trabajó independientemente, a la vez que estudió con reconocidos músicos y compositores.

Más tarde empezó a trabajar para nobles, y en 1761 fue nombrado director musical adjunto del príncipe Pál Antal Esterházy y maestro de capilla. Su posición, para los músicos de la época, era envidiable, ya que además de trabajar para el príncipe podía vender sus obras, y era considerablemente famoso.

Compuso 104 sinfonías, forma instrumental que desarrolló más que ningún músico, óperas, misas, obras de cámara, música de danza, enseñó canto, trabajó de organista, violinista y violista... Cabe destacar de su obra su originalidad: experimentaba con nuevos materiales temáticos y formas instrumentales.

Su obra El himno del emperador es el Himno Nacional de Austria.

LUDWING VAN BEETHOVEN (1770-1827)

Beethoven nació en Bonn, Alemania, hijo y nieto de músicos. Su padre quiso que fuera el nuevo Mozart e intentó llevarlo de gira, pero no funcionó. Con catorce años fue nombrado organista de la capilla del príncipe Maximilian Franz. Con dieciséis viajó a Viena, donde conoció a muchos músicos, entre ellos Haydn y Mozart.

En 1792, con veintidós años, se traslada a Viena y su fama crece. Tuvo muchos mecenas importantes, pero fue el primer compositor verdaderamente independiente: lo único que permitió que le exigieran fue que se quedara en Viena, por lo demás, componía lo que quería y cuando quería.

A partiri de 1800 empezó a perder audición, y fue quedándose sordo progresivamente, hasta que tuvo que comunicarse con una libreta de notas. Ello le provocó muchas antipatías, ya que no quiso hacerlo público y la gente creía que no les contestaba, cuando en realidad no les oía. Pese a lo difícil que fue el final de su vida, fue el momento culminante en cuanto a creación.

Beethoven compuso cuartetos, óperas, sonatas, conciertos y sus famosas sinfonías:

Sinfonía 3 (heroica)

Sinfonía 6 (pastoral)

Sinfonía 9 (coral)

Für Elise

Clasicismo: música

2010-03-24T11:15:00.001-07:00

Este nuevo movimiento empieza al acabar el barroco: en 1750. De su predecesor hereda los contrastes y la forma sonata, que llevará a su plenitud.

FORMAS INSTRUMENTALES

Concerto

Igual que en el Barroco: contraste entre un instrumento solista y la orquesta. Desaparece, eso sí, el concerto grosso (contraste entre un grupo de instrumentos y la orquesta).

Música de cambra

Ningún cambio con relación a la etapa anterior: pocos instrumentos.

Sonata

Pieza musical para un instrumento o para un instrumento y piano. No confundir con la Estructura Forma Sonata (abajo).

Sinfonía

Pieza musical para orquesta.

ESTRUCTURA: FORMA SONATA

Una de las estructuras más utilitzadas durante el clasicismo, que no debe confundirse con la forma instrumental sonata, aunque pueda coincidir que una sonata tenga la estructura forma sonata. El esquema de la Forma Sonata es éste:

EXPOSICIÓN x2

Tema A

Puente

Tema B

Coda

DESARROLLO

Estructura libre, con elementos de la exposición y nuevos, estilo laberíntico a menudo.

REEXPOSICIÓN

Tema A

Puente

Tema B

Coda

Y aquí tenéis el vídeo que hice para marcar la estructura forma sonata en la Sonata nº40 de W.A.Mozart.

El barroco: compositores

2010-03-01T09:50:00.000-08:00

ALEMANES

Johan Sebastian Bach (Alemania: 1685-1750)

Compositor y organista, es considerado por muchos uno de los mayores genios de la historia de la música. Pertenecía a una familia de tradición musical, y cuatro de sus veinte hijos fueron también importantes compositores.

Sus obras tienen un carácter elegante, introvertido y de cierto recogimiento y, para algunos, reconfortante. La totalidad de su obra se recoge en un catálogo elaborado por Schmieder llamado Bach Werke Verzeichnis (Compendio de las obras de Bach) del que surgen las siglas BWV que, seguidas de un número, ponen nombre a las obras de Bach. Compuso conciertos, suites orquestales, pasiones, misas y 200 cantats, pero nunca compuso ninguna ópera.

Concierto de Brandemburgo nº3

El clave bien temperado (Preludio)

Cantata 147

En este vídeo, Glenn Gould tocando una obra de Bach

George Fiedrich Haendel (1685-1759)
Compositor y organista, fundó un teatro de ópera y estuvo al servicio de los reyes ingleses.
Sus obras tienen un carácter contrario al de Bach: su música es extrovertida y cortesana y destaca por su harmonía. La totalidad de sus obras se compone de 32 oratorios, 210 óperas, 110 cantatas, 20 conciertos, 39 sonatas, algunas fugas, suites, misas y música coral.

El mesías

Música acuática

Música para los reales fuegos de artificio

ITALIANOS

Claudio Monteverdi

Tomaso Albinoni

Domenico Scarlatti

Antonio Vivaldi
Compositor y violinista. Fue sacertode y criticado por la Iglesia porque componía óperas, consideradas profanas.
Podéis escuchar sus cuatro estaciones en la entrada Barroco: música.

Sposa son disprezzata

FRANCIA

Jean Baptise Lully

Jean Philipp Rameau

François Coupern

INGLATERRA

Henry Purcell
Dido y Eneas

Abdelezar

El barroco: música

2010-02-26T06:44:00.000-08:00

Las características principales de la música barroca son:

Uso del estilo concertado, es decir, de los contrastes entre voces, intensidades, ritmos...El ritmo, a propósito, solía ser mecánico, reiterativo y muy marcado.
Gusto por la ornamentación (que a veces corría a cargo del intérprete y no del compositor, aunque sí en el momento en que éste último hubiera indicado) y el virtuosismo (exhibición del dominio de la técnica de un instrumento).
El bajo continuo (clavicémbalo o órgano) hace de director proporcionando la base harmónica y la velocidad.
Representación de estados de ánimo con juegos de tonalidades, ritmo y registro, y alusiones melódicas a sentimientos (el simbolismo sonoro de Bach).

Paso ahora a describir las formas musicales barrocas:

MÚSICA INSTRUMENTAL
Las hay largas y con distintas partes (suite, concerto, concerto grosso y sonata) y cortas de una sola pieza (toccata y fuga).

Empecemos con las largas formadas por varias partes, cada una de ellas con carácter distinto:

Suite
Colección de danzas de distinto ritmo y carácter escritas para un solo instrumento o para orquesta. Había cuatro tipos de danzas que eran fijas y siempre estaban presentes si se trataba de una suite: alemana (lenta), corranda (rápida), sarabanda (lenta) y giga (rápida). En medio de éstas había otros tipos como badinerie, air, pavana, loure, minué, rigodon, que solían alternarse según fueran rápidas o lentas.

Concerto
Las distintas partes de este tipo de obras se llaman movimientos. La obra, en general, se basa en el contraste entre el solista y la orquesta y en el lucimiento (virtuosismo de nuevo) del solista.

Cuatro ejemplos muy conocidos de concerto son Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi.

Concerto grosso

También se basa en el contraste, pero entre un pequeño grupo instrumental (concertino) y la orquesta (ripieno o grosso).

Sonata

No la toca una orquesta, está escrita para uno, dos o tres instrumentos. Pueden ser da chiesa (seria, alterna movimientos rápidos y lentos) y da camara (danzas, profana).

Y pasamos ahora a las formas cortas y de una sola parte:

Toccata

Esta forma musical está escrita para el lucimiento de los instrumentos de teclado.

Fuga

Consiste en un tema musical que va repitiéndose en las distintas voces sin coincidir en ningún momento, como si se persiguieran. Lo toca un instrumento polifónico, para poder tocar las distintas voces.

MÚSICA VOCAL

PROFANA

Ópera

Una ópera es un drama cantado con acompañamiento musical en el que se unen casi todas las artes (música, literatura, pintura, interpretación, danza).

Primero surgió en Florencia la Camerata Florentina, que quería recuperar el teatro griego, y en 1600 se publicó la primera ópera (más tarde se consideraría este hecho el inicio del barroco) que se conserva actualmente, Eurídice de Jacobo Peri. En 1607 se representó en Venecia la primera temporada de óperas en teatros públicos cobrando entrada, lo que hizo posible la profesionalización de los músicos. Fue entonces cuando se representó Orfeo de Monteverdi, la ópera barroca más importante.

Durante el barroco, la temática de todas las óperas era la mitología griega.

Las óperas tienen una duración considerable y podemos diferenciar distintas partes:

Obertura: introducción instrumental que interpreta la orquesta al principio de la ópera.

Recitativo: especie de narración, recitación, de un texto acompañado por una melodía que imita el ritmo y la entonación de la voz hablada, y que puede tocar un bajo continuo (recitativo secco) o la orquesta (recitativo acompagnato).

Recitativo acompagnato:

Coro: fragmento de música coral que representa a una multitud.

Aria: canción de un solista (protagonista) con la orquesta.

* ÓPERAS BARROCAS IMPORTANTES

Eurídice Jacobo Peri (1600)

Orfeo CLaudio Monteverdi (1604)

Rinaldo Haendel

Dido y Eneas H. Purcell

RELIGIOSA

Oratorio

En vista del éxito de la ópera, surgió la versión religiosa de este espectáculo, aunque sin representación escénica y con argumentos biblícos y del Antiguo Testamento.

Hay tipos de oratorios que son sólo para una época del año, como:

Oratorios de Navidad

Pasiones (narran los últimos días de la vida de Jesús)

Cantata

También se componen a partir de textos religiosos, pero sin dramatización ni argumento, y con melodías sencillas para que pudieran cantarlas los feligreses.

El barroco: instrumentos

2010-02-14T08:29:00.000-08:00

El barroco es época de nuevos y mejores instrumentos, además de nuevas agrupaciones instrumentales. Es también la época de los luthiers.

INSTRUMENTOS

CUERDA PULSADA
El sonido se obtiene pulsando las cuerdas del instrumento con las yemas de los dedos o con una púa.

Laúd Llaüt Lute
Aquí.

Chitarrone Tiorba Theorbo
Aquí.

Guitarra Guitarra Guitar
En el barroco la guitarra todavía seguía sin ser un instrumento de música religosa o de cambra, aunque fue objeto de estudio de muchos músicos de la época.

Aquí podéis ver cómo construye una el luthier Juan Muzio, modelo Stradivarius 1688.

CUERDA CON TECLADO
El sonido es muy parecido a los instrumentos de cuerda pulsada, porque aunque lo que el intérprete toca son teclas, éstas accionan unos pequeños martillos que pulsan unas cuerdas.

Clavecín Clavicèmbal Hapsichord
En el barroco goza de mucha popularidad, y suele hacer de bajo continuo. Más información aquí.

CUERDA FROTADA
Obtenemos sonido frotando las cuerdas del instrumento con un arco.

Violoncelo Violoncel Cello
Tiene una papel fundamental en la orquesta, dentro del grupo de las cuerdas, realizando normalmente las particiones graves, aunque su versatilidad le permite realizar partes melódicas. Se considera uno de los instrumentos con sonido más parecido a la voz humana. Tiene cuatro cuerda y es una octava más grave que la viola.

Violín Violí Violin
Os dejo un vídeo que explica las diferencias entre un violín actual y uno barroco.

Y aquí podéis escucharlo:

VIENTO

Órgano Orgue Organ
Destacable sobretodo por su gran tamaño, en el órgano se maneja mediante uno o más teclados para tocar con las manos, y otro consistente en unos pedales en la parte inferior. Los distintos registros se accionan mediante unas palancas o botones al alcance de la mano de quien toca el instrumento. Los sonidos se generan haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos milímetros hasta varios metros).

Aquí podéis ver y escuchar el órgano de Lezajsk, de 1693.

Trompeta natural Trompeta natural Natural trompet

Oboé Oboè Oboe
Este vídeo nos da una definición interesante de lo que es un oboé (Chairleg with holes = Pata de silla con agujeros), y nos permite escucharlo.

Flauta travesera Flauta travessera Transverse flute
Aquí.

AGRUPACIONES INSTRUMENTALES

Orquesta Orquestra

Cambra Cambra Chambre
Pequeño grumo por unos cuatro instrumentos. Se llama así porque pueden tocar en una habitación, cosa imposible para un grupo tan grande como la orquesta.

LUTHIERS
Así se llaman los constructores artesanales de instrumentos de cuerda frotada y pulsada.

En la época barroca hubo tres familias de luthiers cuyo secreto aún no se conoce del todo, aunque se supone que el buen sonido que consiguen se debe al barniz o la madera que utilizan. Estas tres familias, todas de la ciudad de Cremona, Italia, son los Stradivari, los Guarnieri y los Amati. Hoy en día un instrumento construido por estos luthiers puede alcanzar precios desorbitados (un violín Stradivarius, 3.500.000$).

El barroco: contexto histórico, artístico y cultural

2010-02-03T10:42:00.000-08:00

Imaginemos un fotovídeo de minuto y medio: una cinta de regalo, muy recta, blanca, pura e iluminada, empieza a rizarse por la acción de unas tijeras rojas y doradas, nadie sabe ni cómo ni porqué, hasta tener un lazo parecido a un montón de cables muy, muy curvados.

Si cambiamos la duración por 150 años y la cinta blanca por el Renacimiento, en vez de un fotovídeo tendremos un movimiento artístico, el Barroco, como siempre nos lo explican. El regalo -sí, señores, lo han adivinado- es la Iglesia (católica, por supuesto) y la realeza. El conjunto, algo así como la (¿primera?) manifestación de la publicidad en el siglo XVII-XVIII.

Poco a poco, el lazo sería cada vez más grande e iría cambiando cual camaleón contrastando con el fondo, el regalo y todo lo que se tercie. Su solemnidad y magnificiencia tal vez parecería residir en su parecido a una rosa (es una rosa, es una rosa, eh...). Pronto ya no sabríamos si era un lazo o una indústria siderúrgica de finales del diecinueve tras una bomba de pintura. Los terroristas, probablemente unos rebeldes reprimidos, desalentados moralmente por la sociedad y pesimistas [1].

Las meninas de Velázquez

Las tres gracias de Rubens

¿Nombres? En pintura, Rubens, Velázquez, Murillo, Zurbarán... En la literatura española se alcanzó una especie de etapa de esplendor (Siglo de Oro) con la poesía lírica de Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Calderón de la Barca...

Para conocer mejor el lazo en cuestión: 1, 2, 3, (y así sucesivamente hasta infinito).

[1] Antonio Rivero Machina, 2007 (v. 13-02-2010)
http://www.filosofia.tk/versoados/his_esp_barroco.htm (véase apartado Actitudes morales del barroco)

El Renacimiento: danzas

2010-02-01T09:19:00.000-08:00

Todas las danzas de esta época se bailan en grupo.

BAJA DANZA
Se trata de danzas cortesanas lentas.

Pavana Pavana Pavan
De origen italiano, ésta es probablemente la más conocida de las danzas del Renacimiento, debido a su aparición en obras de teatro (Romeo y Julieta de Shakespeare) y películas (Romeo y Julieta de Zeffirelli, 1968; Shakespeare in love de Madden, 1998). Se caracteriza por su compás de tres tiempos y su elegancia.

Si queréis bailar una pavana, este vídeo os servirá.

Aquí podéis ver la escena del baile de la ya citada película Shakespeare in love.

Branle
Esta danza se baila en redonda o en parejas.

ALTA DANZA
Ahora hablamos de danzas rápidas y que solían contener saltos.

Gallarda
Os dejo dos vídeos: uno de la American Ballroom Library Congress y otro de la universidad de Melbourne.

BALLET
Es también en el Renacimiento cuando se considera que nace el ballet como espectáculo, donde música, argumento y escenografía se presentan al público como un todo expresados por medio de la danza. En concreto, se utiliza la publicación del libro Il balarino de Caroso da Sarmoneta (1581), que intenta codificar el arte de la danza y cuya traducción podéis consultar en esta página, y el estreno del primer ballet, el Ballet cómico de la Reina, para datar su inicio.

Ballet cómico de la reina, coreografía de Baltazhar de Beaujoyeux

El Renacimiento: instrumentos

2010-01-19T10:45:00.000-08:00

CUERDA PULSADA
El sonido se obtiene pulsando las cuerdas del instrumento con las yemas de los dedos o con una púa.

LaúdLlaütLute
Este instrumento de orígen árabe ("úd" significa madera o palo en hebreo) fue muy popular en el Renacimiento, aunque llegó a occidente en el siglo IX.
Lo caracteriza su forma de pera, su caja de resonancia esférica y el clavijero doblado hacia atrás, en ángulo recto con el mástil. Consta de siete cuerdas dobles.

Tommie Andersson, un australiano especialista en el laúd y otros instrumentos antiguos de cuerda, realizó un proyecto sobre este instrumento para ABC Classic FM. En este vídeo toca una pieza de Anthony Holborne del siglo XVI.

VihuelaViola de mà
Su forma recuerda a la de la guitarra, aunque su tamaño es, por lo general, menor. Constaba de seis o siete cuerdas dobles (una podía ser simple).

En Valencia hay un grupo de música antigua, uno de los integrantes de la cual toca en este vídeo.

ChitarroneTiorbaTheorbo
Lo más característico de este instrumento es, sin duda, su largo mástil. Podía, por tanto, tocar un mayor rango de notas que el laúd, lo que ofreció nuevas posibilidades que los compositores explotaron en varios solos para este instrumento. Tiene cuerdas simpáticas, es decir, que suenan por sí solas al pulsar otras.

ArpaArpaHarp
Estamos ante un instrumento antiquísimo: data del 2000 a.C. Aunque si algo lo caracteriza es su gran tamaño y el enorme número de cuerdas que lo componen (de 40 a 47).

Esta pieza renacentista la interpreta Javier Sáinz, cántabro experto en este instrumento.

CUERDA CON TECLADO
El sonido es muy parecido a los instrumentos de cuerda pulsada, porque aunque lo que el intérprete toca son teclas, éstas accionan unos pequeños martillos que pulsan unas cuerdas.

Virginal
La etimología no está del todo clara: se barajan las posibilidades de que se llame así por su sonido, parecido a la voz de una chica joven (virgen), porque eran jovencitas las que solían tocarlo, porque se usaba para tocar himnos a la Virgen María, o que venga del latín "virga", cilindro, haciendo referencia a la forma de los martillitos que pulsan las cuerdas.
Lo que sabemos con seguridad es que tiene forma rectangular, como una caja abierta en la que estuviera el teclado y en la parte interior de la tapa de la cual hubiera la decoración, que podía ser de valor artístico considerable.

En este vídeo, además de ver cómo es, podéis escuchar cómo suena.

EspinetaEspinetaSpinet
Hay dos tipos de espineta: la poligonal y la travesera. La primera, que fue más utilizada a principios del Renacimiento, no tiene patas (se ponía encima de una mesa), su caja harmónica es de tipo poligonal irregular o rectangular y las cuerdas estan paralelas al teclado; la segunda, también llamada ala de pájaro por su forma, más utilizada a finales de esta época, ya tiene patas, las cuerdas forman un ángulo agudo con el teclado y tiene un sonido más metálico que la espineta poligonal y el clavicémbalo.

La que podéis ver en este vídeo es travesera.

ClavecínClavicèmbalHarpsichord
Hay muchos tipos de clavecines, como podéis ver en este vídeo, pero lo que los diferencia a todos de los demás instrumentos de cuerda con teclado es el mecanismo que pulsa las cuerdas, el cual, a diferencia del clavicordio, con el que normalmente hay confusión, no posee respuesta al tacto, es decir, la intensidad del sonido no varía dependiendo de la presión que se ejerza en las teclas.

Con este vídeo se aprecia mejor el sonido de este instrumento, ya que se trata de la conocida y contemporánea canción de la banda sonora de Misión imposible.

CUERDA FROTADA
Obtenemos sonido frotando las cuerdas del instrumento con un arco.

Tomba marina Tromba marina Marine trumpet
Llamado así porque su sonido es parecido al de la trompeta, este instrumento fue más popular durante la Edad Media, aunque siguió utilizándose en el Renacimiento.
Tiene forma triangular o trapezoidal con un largo mástil. Suele tener una única cuerda, aunque en ocasiones tiene cuerdas simpáticas.

Este vídeo, aunque está en portugués, se entiende bastante bien y explica el porqué del sonido parecido a los instrumentos de viento metal de la tromba marina.

Viola de gamba Viola de gamba Viol
Este instrumento tiene unas características muy propias: suele tener entre cinco y siete cuerdas, siempre tiene trastes y, a diferencia de la viola de braccio, se coloca entre las piernas para tocarlo (de aquí el nombre: gamba es pierna en italiano). Algo curioso es que el sonido de cada una de sus cuerdas recuerda a una voz humana: la más grave, a la de un hombre adulto; la siguiente, a la de un joven; luego a la de una chica; y por último a la de un niño. Esto le proporcionó mucha popularidad entre el siglo XV y el XVIII, cuando empezó a perderla debido a la aparición de las orquestas.

El mejor violista de gamba del mundo es, actualmente, Jordi Savall, que se ha dedicado al estudio de la historia musical renacentista y, en concreto de este instrumento. En este vídeo podéis escucharle tocar.

Viola de braccio
Se la llama así para diferenciarla de la viola de gamba, aunque podría llamársele únicamente viola. Tiene una tesitura intermedia entre el violín y el violoncello.

Podéis escucharla en este vídeo.

VIENTO MADERA
El sonido se produce al soplar por un tubo de madera.

Cuerno Corn Gemshorn
Como nos hace pensar su nombre, este instrumento es un cuerno (de animal o sintético) hueco con agujeros para tocarlo.

Flauta travesera Flauta travessera Transverse flute
Durante el Renacimiento, la flauta travesera era de una sola pieza y con seis orificios muy pequeños.

Cromorno Cromorn Crumhorn
Como su nombre indica (si sabes alemán), el cromorno tiene forma curvada. Tiene también doble caña.

La inserción está desactivada, pero aquí podéis ver cómo es y escuchar cómo suena.

Chirimía Xirimia Shawn
También de doble caña, la chirimía es el antepasado directo del oboé.

Los dos primeros músicos del pasacalles de este vídeo la tocan.

Gaita Cornamusa Bagpipe
Este instrumento consta de tres tubos de madera y un saco que antiguamente era de tripas animales. Por uno de los tubos se sopla, el aire se acumula en el saco, por otro de los tubos el aire sale continuamente haciendo un sonido de fondo muy característico, y en el último hay agujeros con los que, al taparlos, se consigue la melodía.

Rackett
También con doble caña, el rackett es el precursor del fagot.

Este es el primero de una colección de vídeos en los que se escucha el sonido de este instrumento y se ven ilustraciones de diferentes modelos del mismo.

Órgano portátil Orgue portatiu Organetto
Este instrumento es de viento pero, como podéis ver en el vídeo, se toca con teclas.

VIENTO METAL
Como podemos imaginar por el nombre, los instrumentos de esta familia suelen ser de metal, pero su elemento común es siempre que se tocan con una boquilla, por la que se sopla.

Serpentón Serpentó Serpent
Por su sonido grave, este instrumento se utilizaba para acompañar voces masculinas o dar profundidad a los coros.

Aquí podéis escucharlo y ver fotos.

Sacabuche Sacabutx Sackbut
Es antepasado del actual trombón de varas y su nombre deriva del francés "sacquer" y "bouter" (tirar o sacar, y empujar), haciendo referencia a la manera en que se toca.
El movimiento del tubo permite interpretar toda la escala cromática, por lo que en su época fue considerado el instrumento de boquilla más perfeccionado y completo. Su timbre es vocal y delicado, como podéis escuchar en este vídeo.

Cornetto Cornett
Parecido al ya explicado cuerno, el cornetto tiene más bien forma de tubo y solía construirse de madera o marfil.
Como podéis ver en este sintético vídeo-explicación, consta de siete agujeros y la boquilla es muy pequeña. El autor del vídeo califica su sonido de celestial, en especial cuando se toca acompañando voces.

Texturas musicales

2010-01-13T09:12:00.000-08:00

Aunque este curso estudiamos Historia de la música, siempre hace falta una base de "lenguaje musical" o tener claros algunos puntos para entender la evolución de la música. Entre estos puntos está la textura musical.

Entendiendo por línea melódica una sucesión de sonidos y por voz una línea melódica interpretada por un instrumento o grupo de instrumentos (o persona o grupos de personas), tenemos que la textura de una pieza musical es la manera en que las distintas voces interactuan, se distribuyen.

TEXTURA MONÓDICA
Sólo hay una voz y, por tanto, una sola línea melódica. Se la puede llamar también Unísono.

Canto gregoriano

TEXTURAS POLIFÓNICAS
En ellas hay dos o más voces y líneas melódicas.

Homofonía
Las distintas voces tocan distintas líneas melódicas pero al mismo ritmo (se mueven al mismo tiempo).

Contrapunto
No coinciden ni las líneas melódicas ni el ritmo (a veces entran escalonadamente, como en un canon) de las distintas voces.

Melodía acompañada
Se produce cuando hay una voz interpretando una línea melódica destacada, acompañada por otras voces, que tienen un papel secundario.

El Renacimiento: música y compositores

2009-12-16T01:26:00.000-08:00

MÚSICA PROFANA
La música profana renacentista es polifónica y busca la fusión del sentido del texto (que es poético y en lengua vulgar) con la música. Predomina la textura musical contrapuntística, es decir, las notas y el ritmo de las diferentes voces son diferentes y a menudo entran escalonadamente, pero son harmónicos. También hay ratos de textura homofónica.

Madrigal
Es la primera forma vocal del Renacimiento, y sirvió en cierta manera de modelo para las demás. Proviene de Italia, por lo que el texto es en italiano. Éste es muy poético y de temática amorosa. Esta forma es para cuatro voces y de ella destacan su elegancia y tendencia más culta que popular.

Orlando di Lasso

Monteverdi

Villancico
Es la forma propia de la España de Cervantes. Tiene un aire mucho más popular que el madrigal.

Juan del Encina

Chanson
La forma procediente de Francia es también popular y usa muchas onomatopeyas.

Clement Janequin

Balleto
Observamos en la forma inglesa un predominio de la textura homofónica, un gran refinamiento y elegancia, y el uso de la fórmula fa-la-la entre el texto.

Hay también una forma, llamada Ayre o Song, que es homofónica con acompañamiento de laúd.

John Dowland

Ensalada
Como podemos imaginarnos por su nombre, esta forma es una mezcla: de voces, de elementos cómicos y serios, de textura contrapuntística y homofónica, de elementos religiosos y profanos, uso de onomatopeyas... Esto dificulta a veces el entendimiento del texto, aunque se deduce, por tanto, que éste no es el principal objetivo de la canción, sino más bien entretener.

Mateu Fletxa

MÚSICA RELIGIOSA
En el caso de la música de temática religiosa, hablamos también de composiciones polifónicas, con texturas tanto homofónicas como contrapuntísticas.

Misa
Esta forma es igual que en la época medieval, con las mismas partes (kyrie eleison, gloria in excelisis deo, etcétera), y con variaciones entre la misa ordinaria y la propia (entre las que se encuentra el réquiem, es decir, la misa de funeral). Siendo esta forma la propia de la Iglesia Católica (recordemos que hubo un cisma de la Iglesia, la reforma protestante de Lutero), el idioma sigue siendo el latín.

Giovanni Pierluigi da Palestrina

Motete
Como la misa, esta forma es igual que en la época de la Ars Antiqua: se compone de una voz principal situada en el bajo a la que acompañan otras voces con ritmo y notas distintas, aunque siempre estudiando la harmonía.

Tomás Luís de Victoria

Coral luterana
Dos iglesias, dos formas vocales. En el caso de la iglesia protestante es ésta la forma utilizada: en alemán y fácil de cantar, ya que se pretendía la participación del pueblo. A veces hasta se adaptaban canciones populares para este propósito.

Martín Lutero

La proporción áurea

2009-12-03T07:25:00.000-08:00

Un tema interesante en relación con el Renacimiento y con la música es la proporción áurea. Ésta fue ya descubierta y utilitzada por los griegos y los egipcios en el arte. Resumiendo y simplificando mucho, podemos decir que se trata de una proporción matemática, numérica, que está presente en muchas formas de la naturaleza y que provoca en la percepción humana la sensación de belleza y armonía.

Lo explican mucho mejor que yo en estos tres vídeos, altamente recomendables todos, aunque si lo que os interesa es algo sintético, preferiréis El pato Donald y la sección áurea, y si queréis ampliar, el programa Redes de Eduardo Punset (el último) es la mejor opción. La parte dedicada a la proporción áurea y la música (aunque no está completa) es la que va del minuto 28:00 aproximadamente al final del tercer vídeo; para verla tendréis que poner el vídeo en pausa y esperar a que se cargue, si no no podréis pasarlo para adelante.

El Renacimiento: contexto histórico, artístico y cultural

2009-12-02T13:16:00.000-08:00

Después de la época oscura, epidémica, limitada y regida por la Iglesia católica que fue la Edad Media, la sociedad cambió con el descubrimiento de América de Colón (1492) y la reforma protestante de Martín Lutero (1550), y el arte y la cultura se renovaron con el movimiento llamado Renacimiento, que se dio durante los siglos XV y XVI.

Fue la época de grandísimos científicos: Copérnico declara que la Tierra no es el centro del Universo y Galileo Galilei establece que gira alrededor del Sol. Al ser condenado por la Santa Inquisición y obligado a retractarse, sigue afirmando que sin embargo, se mueve.

La principal característica renacentista es el humanismo o antropocentrismo: el hombre es perfecto y divino dentro de su condición humana y Dios, en el arte, presenta características humanas dentro de su perfección y divinidad. Aumentan las representaciones de la naturaleza y la mujer (incluso en cuadros de temática religiosa) y se vuelve a los modelos clásicos.

La creación de Adán, de Miguel Ángel

El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli

La difusión de la cultura se multiplicó con la invención de la imprenta de Gutenberg (1448), y el surgimiento de la clase burguesa, que era en muchos casos mecenas de los artistas (como la familia Médici de Florencia), impulsaba en sobremanera el desarrollo del arte en general y del artista en particular, que ya podía vivir de su obra.

El artista renacentista era polifacético y hacía incluso incursiones en la ciencia.
El máximo representante de este tipo de artista es Leonardo da Vinci, que destacó en varios campos del conocimiento: fue un gran pintor, inventor adelantándose a su tiempo, ingeniero, realizó estudios anatómicos, de la luz, de la dinámica acuática, trabajó con la proporción áurea (a la que dedico una entrada)...
Sus descubrimientos y estudios estan recogidos en sus cuadernos de apuntes, escritos de forma especular e ilustrados con unos bocetos de gran calidad artística. Pueden consultarse en su totalidad en esta página, con sólo registrarse.

Otros artistas importantes de la época fueron Miguel Ángel, Botticelli, Rafael, Tintoretto, Tiziano, Fra Angelico y Piero de la Francesca. Destacan también los españoles El Greco, Pedro Berrugueto, Luis Morales y Juan de Flandes. En literatura, tenemos a Shakespeare y Miguel de Cervantes; en filosofía, a Montaigne y Maquiavelo. Arquitectónicamente, destaca el interior de la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel:

Pero para ver -y escuchar- el cambio que dio la música en el Renacimiento, tendremos que esperar a la próxima clase. ¡Hasta entonces!

2009-11-26T07:53:00.000-08:00

El segundo tema que estudiamos este curso fue la Música profana medieval: los trovadores, las trobairitz, los minnesingers, los juglares, las danzas y los instrumentos medievales.

Sobre este último tema hablamos María y yo en nuestro programa de radio grabado y editado con el programa Audacity. Aquí os dejo el trabajo por si lo queréis escuchar.

2009-11-25T01:27:00.001-08:00

¡Hola! Me llamo Sara y soy estudiante de 4º de la ESO en el IES Palafolls.

Este blog es una libreta virtual de la asignatura de Historia de la Música, en la que además podréis encontrar los trabajos de la asignatura, información complementaria sobre los temas estudiados y música que me gusta.

Espero que os sea útil.

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Si queréis, no dudéis en comentar o contactar conmigo por e-mail: arasara7@gmail.com

Aquí podéis consultar mis trabajos de la asignatura de Informática.